viernes, 27 de diciembre de 2013

El extraño viaje

La vida secreta de Walter Mitty
Estreno en cines el 25 de diciembre de 2013. Trailer en español. La vida secreta de Walter Mitty



Soñar despiertos. Una experiencia que todos, en especial los aficionados a este arte tan maltratado que es el Cine, hemos tenido alguna vez y no sólo cuando éramos niños.  La sala de proyección es sólo un pretexto: soñamos en voz alta en la ducha, al volante, mientras pasamos la aspiradora o hacemos la compra. Soñamos para evadirnos, como le ocurría a aquel hombrecillo que cobraba vida en el cuento de James Thurber The Secret Life of Walter Mitty, publicado en The New Yorker el 18 de marzo de 1939, que fue un enorme éxito de ventas y teletransportó a miles de norteamericanos hacia un mundo de sueños que servían para escapar de la cruda realidad del día a día de aquellos años bélicos y convulsos. 



No tardó el Cine en hincarle el diente a la historia, y lo hizo apenas ocho años después en una versión de RKO protagonizada por Danny Kaye y Virginia Mayo, con Boris Karloff y Ann Rutherford en papeles secundarios, que rompió las taquillas y confirmó el tirón comercial de la aventura del pobre Walter Mitty, el editor de novelas de bolsillo que aprovechaba los cuarenta segundos del semáforo en rojo para convertirse en piloto, médico, caballero con armadura o lo que su mente volátil e inabarcable pudiera disponer. A aquel Walter de los 40 le pasaba lo mismo que al que ahora llega a las pantallas convertido en Ben Stiller: que pasa de la ensoñación  y el riesgo imaginados a vivir la aventura en sus carnes tras una toma de conciencia poco o mal explicada, y tras romper la barrera de lo real y lo fantástico de forma que, ya adelanto, me parece que el espectador no llega a descifrar.
El contexto en que se nos sitúa al personaje de esta fábula es la mítica revista Life, que acaba de ser adquirida por un gigante de la Red y va a dejar de editarse en soporte de papel.  Stiller y su guionista Steve Conrad no hacen un remake del Walter Mitty de Samuel Goldwyn y Norman Z. McLeod, sino que convierten el cuento en una oda a la prensa escrita que desaparece ante el nacimiento de una nueva era de publicaciones on-line. Es una película hija de su tiempo, emocionada ante el mundo al que rinde tributo, más que una nueva lectura del original literario o de la primera versión cinematográfica. Hasta cierto punto, tenía derecho a buscar otro enfoque el hijo de Goldwyn, Sam jr., que llevaba desde 1990 intentando levantar este proyecto contra viento y marea y que ha recuperado la historia que su padre trasladó al Cine sorteando los pleitos del autor que nunca habló bien de la versión cinematográfica de 1947. Nos atrevemos a aventurar que, si vera ésta, se volvería a la tumba con el susto en el cuerpo.




En su nacimiento, en enero de 1883 con una primera sede en el 1155 de Broadway,  Life fue una publicación satírica basada en un lema que jugaba con las palabras y las apariencias: “Mientras hay vida (Life), hay esperanza”. Ha pasado de ser un semanal, a publicación mensual y ser insertada en diarios como suplemento dominical, pero su cabecera y su historia periodística de primera magnitud convierten a Life en un referente de primer orden para todo el que quiera fabular, o hacer elegía, con el periodismo tradicional y romántico de los soportes en papel, al borde de un colapso que nadie quiere pero todos vemos inevitable.  En este homenaje que La vida secreta de Walter Mitty hace al papel como soporte inmortal del periodismo, el lema de la revista muta hacia una defensa de la aventura y lo aventurero, lo cual sin duda debió llamar la atención de directores como Ron Howard o Steven Spielberg que han rondado por este proyecto durante 20 años, y de Jim Carrey y Sacha Baron Cohen que han flirteado con el personaje en las diferentes fases de su proceso de gestación.  El Mitty de Stiller es un documentalista encargado del archivo de negativos y el de Kaye era editor de novelas de bolsillo, un terreno mucho más propicio a inventar historias y mucho menos mecánico que el que le confiere esta versión tan bien envuelta como vacía en su contenido. Mitty emprende un extraño viaje por Groenlandia, Islandia, Afganistán, que debería ser uno de sus sueños pero con el que se nos hace creer que todo ocurre en realidad después de haberse mostrado con alarde de efectos especiales los brotes de desenfrenada imaginación del protagonista. ¿Realismo o fantasía? Buscarle la lógica al relato resulta banal, pero el barniz naturalista que intenta imprimir Stiller a la tragedia del colectivo que ve morir su oficio no se compadece con esa falta de verosimilitud que tiene el relato narrado desde la fina frontera de lo verídico y lo irreal. Cheryl (Kristen Wiig) le cambia la vida al hacerle sentir el compromiso de vivir las aventuras que sueña para recuperar un negativo que presuntamente se ha extraviado, un McGuffin que permite entrar en la narración al verdadero personaje aventurero, al que sí sueña realmente lo que vive, al fotógrafo Sean O’Connell que no tiene hogar fijo, ni teléfono móvil, ni se sabe nunca en qué latitud del mundo se encontrará plasmando con su cámara la irrealidad del planeta. Junto a la aparición entrañable ...



... y magnífica de Shirley MacLaine como la madre dependiente de Mitty, la aportación de Penn es lo mejor de esta comedia vitalista tan confusa como confundida. (sumemos en ese capítulo de amplios cameos al Benjamin Button  de Scott Fitzgerald, en un gran momento de la película). 

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jueves, 12 de diciembre de 2013

Un londinense en el Deep South

Doce años de esclavitud
Estreno en cines el 13 de diciembre de 2013. Trailer Doce años de esclavitud



Pocos meses después del acercamiento tangencial (como todo lo que hace) de Tarantino a la época de la esclavitud en el Sur de estados Unidos (Django desencadenado, 2013), se estrena la película cuyos responsables quieren que sea definitiva, la última palabra en el tratamiento cinematográfico de aquellos años  de indignidad para la especie humana. Será por miedo escénico, será porque aún no existe la perspectiva suficiente para tratarlo, o por motivos puramente industriales, pero el Cine no ha volcado en sus primeros 118 años de vida su mirada de forma permanente hacia la utilización de seres humanos como mano de obra explotada y al servicio de señoritos burgueses racistas y depravados, en la mayoría de los casos.  Quien mejor denunció el maltrato y las vehaciones sufridas por los esclavos negros en el sur de Norteamérica ha sido un director clásico, Richard Fleischer, en la hasta hoy no superada Mandingo (1975).   

               


Y quien ahora lo hace es un joven londinense, británico, residente en Amsterdam y de ascendencia caribeña, con barniz autodeclarado de cineasta independiente en sus dos anteriores experiencias tras la cámara: Hunger (2008) y  Shame (2011), un sorprendente “exitazo” que en la calle pocos conocen en realidad.  12 años de esclavitud es su primera película norteamericana, y por mucho que lo intente no va a poder convencernos de que ha pretendido hacer una película para públicos minoritarios y, ¡zas!, de repente ha llegado un blockbuster. Steve McQueen (nació en 1969 mientras en la capital inglesa se estrenaba Bullit) no puede negar las pretensiones de su obra. Sí reconoce en cambio  que ha querido hacer El diario de Ana Frank en  estados Unidos, un relato en primera persona de una época ignominiosa que debe avergonzarnos a todos como lo hace la historia de la joven judía  encerrada en un sótano de Amsterdam durante la ocupación nazi. Sí denuncia la esclavitud, aunque pueda parecer que un londinense no debería ser el mejor conocedor de ese drama histórico que tantas muertes y humillaciones provocó. Y solo por eso es valiosa, aunque en seguida maticemos ese valor.



De momento, sus pretensiones de película definitiva se plasman en nominaciones a los Globos de Oro, siete. Los Oscar ® vendrán después y ya pueden hacer apuestas sobre la cantidad de tíos de Margaret Herrick se va a llegar esta producción melodramática. Está basada, con bastante realismo, en el libro autobiográfico de Solomon Northup,  vecino de Saratoga Springs (Nueva York), ciudadano libre de raza negra, padre de familia con mujer y dos hijos, carpintero y violinista, que fue secuestrado por traficantes de esclavos en 1841, separado de su familia a la fuerza y conducido al sur donde fue vendido a uno de los dueños de plantaciones de algodón en Luisiana.  Solo en 1853, doce años después,  logró recuperar la libertad y murió 4 años después en circunstancias no aclaradas. 



Otra novela, La cabaña del Tío Tom, la eclipsó y vendió muchos más ejemplares pese a que 12 Years a Slave se basa en hechor reales y no de ficción). Un actor que será grande, tanto como Morgan Freeman o Sidney Poitier, de nombre muy sinuoso  (Chiwetel Ejiofor) da una lección de mesura y agonía en su trabajo como el esclavo al que compran sucesivamente  William Ford (Benedict Cumberbach) y Edwin Epps (actor fetiche de McQueen, Michael Fassbender). En una película bastante coral, sobresalen las interpretaciones brillantes (aunque en un plano artístico siempre agradecido por todos los que lo han probado, el límite humano ante el sufrimiento), como la de Lupita Nyong’o, una esclava sexual Patsey a la que Epps domina, viola y destruye a golpes. Apariciones episódicas de Paul Giamatti y Brad Pitt (el carpintero civilizado Bass) dan brillo a ese reparto de enorme talento. 



Pitt es ademas productor,  y su personaje pone ante el espejo un mundo que se derrumba y desaparece, y es el contraste del terrateniente Ford que pone reparos a la separación de una madre de sus dos hijos al comprar a sus esclavos, pero cede a las exigencias del traficante vendedor sin rebelarse ante la inhumanidad de tal comercio.



La puesta en imágenes de McQueen lineal y clásica,  con saltos temporales fugaces en la primera mitad del relato, que lo hacen algo más abstracto pero dentro de un tono de realismo exacerbado. Se recrea en las torturas de los blancos dueños de plantaciones, y en las reacciones de los negros ante las injusticias de esos malos tratos en época de esclavitud. La capacidad de sufrimiento físico del cuerpo humano y el ansia de liberación del alma son puestas en un mismo plano. Solomon no trata de escapar, sólo de hacer llegar a la estafeta postal una carta que pudiera ser enviada a Nueva York para probar su condición de hombre libre, y fabrica una pluma de madera con la rama de un árbol y la tinta con el líquido oscuro que deja en su plato de barro la fruta de la zarzamora. El realizador británico construye un drama sólido y extraordinariamente bien narrado, con momentos de gran sobrecogimiento (el plano eterno del sufrimiento físico de Solomon  colgado del árbol con las puntas de los dedos de los pies tocando el suelo para no morir asfixiado por la soga alrededor de su cuello) y de  esperanza (en otro plano sostenido en el tiempo, Solomon intuye que su salvación está muy cerca y mentalmente recorre sus doce años como esclavo). Pero cae en lo lacrimógeno en una secuencia final de reencuentro que no está ni bien planificada ni bien narrada, lo que deja un mal sabor de boca pese al notable conjunto final.

                                                Copyright © Víctor Arribas